Clase del sábado 19 de agosto (Historia II)

En la primera parte del período se realizó la primera prueba corta del semestre

Formas musicales del Periodo Homofónico

Formas musicales del Período Homofónico
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Varias son las formas musicales que, para los cantos religiosos, se utilizaron en este período musical.  Algunas de ellas son:
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Himno
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Canto en honor a Dios. Es un canto estrófico y versificado. Al arte de la composición y estudio de los himnos se le llama Himnodia, y al documento en el cual se agrupan se le llama Himnario.
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Salmo
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Se deriva del latín y significa canción. Como forma musical el Salmo es la entonación de los cantos hebráicos que se han tomado del libro del Antiguo Testamento que se conoce con este mismo nombre, es decir que Salmo es el canto tomado de la Biblia. Se le llama Salmodia a la musicalización y entonación de los Salmos.
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Antífona
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También llamada "Melodía en eco". Es una pequeña frase que sirve para encuadrar el canto de los Salmos. Se entona antes y después de cantar un Salmo. El Antifonario es el documento o libro en el cual se recopilan las Antífonas.
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Tropo
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El término Tropo se deriva de "tropare" que significa inventar, y musicalmente hace referencia al canto que surge de la incorporación en un texto pre-existente de nuevos textos con los cuales se rellenan los melismas que aparecían. Se le atribuye al Monje y músico Tuotilo la invención de esta forma musical. Recibe el nombre de Tropario el documento en el cual se recopilan los Tropos.
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Misa
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Es la función principal de la liturgia tanto Católica como de algunas iglesias Anglicanas. Tomó su nombre de las palabras finales que se decían al concluir el servicio religioso: Ite missa est. Existen dos tipos de misas: Misa Baja o Menor que es sencillamente recitada o rezada y Misa Ata, Mayor o Solemne que es la que presenta casi todas sus partes cantadas.

Música guatemalteca de la época colonial

Acercamiento al desarrollo de la Música Colonial en Guatemala

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Las primeras manifestaciones musicales con las que tuvieron contacto los nativos guatemaltecos luego de la conquista española, fueron las de tipo religioso.  Se puede afirmar que el  Canto Gregoriano y la Polifonía religiosa, fueron de las primeras manifestaciones musicales escuchadas en Guatemala.  Aunque se debe mencionar también el hecho de la conquista pacífica de las Verapaces en las cuales, según los señalamientos históricos, fue a través del canto que se logró la evangelización que propició el posterior sometimiento pacífico.  En este sentido es posible afirmar que la forma musical que en mayor medida se utilizó fue el Villancico.
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Hacia finales del siglo XVI se mencionan a los primeros Maestros de Capilla nativos de Guatemala. En el área de San Juan Ixcoy se pueden mencionar a Tomás Pascual y a Francisco De León, así mismo es posible señalar algunas composiciones que se les atribuyen, entre ellas "¡Victoria, victoria!, atribuída a Tomás Pascual.

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Hacia el siglo XVII en el Repertorio de Catedral figuran obras del músico español Tomás de Torrejón y Velasco que anduvo por tierras americanas en donde se encuentra mucha de su producción (Perú, Bolivia y Guatemala entre otros países).

Durante la época Colonial es posible señalar a Rafael Antonio Castellanos, que fue el último maestro de Capilla que radicó en la Antigua Guatemala y el primero en desarrollar su labor en la Nueva Guatemala de la Asunción.
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También es posible señalar a la familia Sáenz, de la cual Vicente Sáenz es conocido maestro de Capilla de gran notoriedad, era violinista y organista. Sus "Villancicos de Pascua" y su "Salve" en fa, son de los testimonios del nivel de su obra. Hijo de Vicente es Benedicto Sáenz, que fue el primer maestro de enseñanza particular de música de Guatemala, y quien a su vez es padre de Benedicto Sáenz (hijo) que es uno de los primeros músicos clásicos de Guatemala.
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El primero de los músicos clásicos de nuestro país fue Eulalio Samayoa, que nació en la Ciudad de Guatemala de la Asunción en 1781. Desde pequeño se dedicó al estudio de la música. Fue uno de los primeros compositores latinoamericanos en incursionar en la escritura y composición de Sinfonías (su sinfonía N° 7 data de 1834 en tanto que la primera sinfonía escrita en Estados Unidos por George Bristow data de 1845. Debido a su destacado nivel en la composición de esta forma musical fue denominado "El Haydn guatemalteco". Fundó la Sociedad Filarmónica del Sagrado Corazón de Jesús, grupo orquestal que dirigió durante un tiempo. Así mismo estableció la celebración anual del día del Filarmónico, misma que se encuentra vigente hasta nuestros días. Murió en 1866.
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Benedicto Sáenz nació en la Ciudad Capital de Guatemala en 1815. Fue un excelente compositor que tuvo la suerte de viajar a Europa en donde estuvo en contacto directo con los avances musicales de la época. A su regreso a Guatemala puso en práctica lo aprendido con lo cual se logró un gran salto cualitativo en la composición guatemalteca. Después de 1842 dirigió conjuntamente con Eulalio Samayoa la Sociedad Filarmónica. Benedicto fundó, junto con su hermano Anselmo, una compañía de óperas con la cual presentó varias obras, y en este sentido su mayor trabajo consistió en traducir alguna óperas italianas al español para que las personas pudieran comprenderlas. Falleció en Guatemala en 1857.

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Entro los músicos que ilustran el Romanticismo Musical Guatemalteco se pueden mencionar a Ricardo Castillo (1894-1966) y a Manuel Martínez-Sobral (1879-1946).  El primero de ellos con evidentes tendencias hacia la música nacionalista con obras como:  La Doncella Ixquic, Paál Kabá, Estelas de Tikal, etc., y el segundo con obras altamente descriptivas, tal el caso de Acuarelas Chapinas.  También podemos mencionar al reconocidísimo compositor  Jesús Castillo (1877-1946), fue condecorado con las "Palmas de la Academia" por el gobierno de Francia debido a su trayectoria y a su trabajo sobre la Música Maya Quiché.

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Cantos religiosos del periodo homofónico

Otros cantos del Período Homofónico

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Fueron muchos más los cantos del Período Homofónico, para ilustrar esta diversidad señalaremos a manera de ejemplo un Canto Religioso que se debe a Santa Hildegarda von Bingen.

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Hildegarda Von Bingen nació en Bemersheim (Alemania) en el valle del Rin, el 16 de septiembre del año 1098 en el seno de una familia noble alemana.  Fue abadesa en el convento benedictino de Disibodenberg.  Tuvo un profundo aprendizaje de latín, griego, liturgia, música, oración y ciencias naturales,

 

De los nueve libros que escribió, se destacan Scivias, de carácter místico; Liber Vitae Meritorum, sobre ética, y Operatione Dei, sobre teología. Otro de sus libros, el Liber Simplicis Medicinae es importantísimo para la medicina,

 

Pero Hildegarda no sólo se dedicó a escribir, sino que además compuso música y escribió setenta y siete cantos aproximadamente. Como compositora fue más allá de las normas de la música medieval, otorgándole un nuevo lenguaje.  La música no se puede decir que era de un estilo o de otro,  ni hacía monofonía, ni gregoriano ni nada por el estilo, hacía su música con sus letras. Se podría incluso decir que era una Trovadora de Dios.  Murió el 17 de septiembre de 1179.

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Otro de los cantos que ubicamos en esta época es el Canto Mozárabe, que se dio en territorio español.  Es necesario recordar que la presencia de los árabe en España  se prolongó más o menos desde el siglo VII hasta el siglo XV, en el cual el territorio fue reconquistado.  Es por ello que se le dio el calificativo de Canto Mozárabe a todo el canto religioso español que, o bien tuviera influencia árabe, o que hubiera sido utilizado antes de la imposición del Canto Gregoriano (hacia el siglo XI).  En este canto encontramos la influencia musical oriental, la religión cristiana y la lengua castellana amalgamadas en composiciones de un tinte y características muy peculiares. 

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Compositores del Periodo Romántico

Otros compositores del Período Romántico.

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Richard Wagner nació en Leipzig el 22 de mayo de 1813. Su padre, un funcionario modesto, murió seis meses después de su nacimiento. En agosto de 1814, su madre se casa con el actor Ludwig Geyer, de quien se especula podría ser el padre biológico de Wagner. Geyer murió cuando Wagner contaba con apenas 10 años. Se dice que fue Geyer quien le inculcó la pasión por el teatro y las artes. .A los quince años de edad Wagner descubre la música y decide dedicarse a este arte, por lo que se inscribe en la universidad de su ciudad natal en 1831. Entre los compositores que más le influyen destaca Ludwig van Beethoven. 

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 En 1833, Wagner termina su primer conjunto de óperas. Esta obra no fue interpretada durante casi medio siglo. En este periodo consigue ser nombrado director musical en las óperas de Wurzburgo y Magdeburgo. En 1836  se casa con la actriz Minna Planer. La pareja se traslada a Königsberg y después a Riga, donde Wagner ocupa el cargo de director musical.  Sumidos en las deudas, los esposos abandonan Riga de manera furtiva en 1839. Partieron hacia Londres y en el trayecto fueron víctimas de una tormenta que inspiró a Wagner Das Fliegende Holländer (El holandés errante). Los Wagner vivieron un periodo en París donde Richard gana su vida reorquestando las óperas de otros compositores.

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 En 1840, Wagner termina su opera Rienzi. Regresa a Alemania dos años después para estrenarla en Dresde, donde tiene un éxito considerable. Los Wagner se establecen en esta ciudad durante seis años. En este periodo Wagner pone en escena El holandés errante y Tannhäuser, sus primeras obras maestras.

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  La carrera de Wagner toma un giro inesperado en 1864, cuando el rey Luis II de Baviera accede al trono a la edad de 18 años. El joven rey, que admira la obra de Wagner desde su infancia, invita al compositor a Münich, paga sus cuantiosas deudas y apoya el desarrollo de su nueva ópera. A pesar de las dificultades, la presentación de Tristán e Isolda el 10 de junio de 1865 es un suceso contundente.

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En 1867 termina su ópera Los Maestros Cantores. Tres años después, Cosima (hija de Franz Liszt) se divorcia y contrae matrimonio con Wagner (quien también se ha divorciado), quien le ofrece el Idilio de Sigfrido con ocasión de su cumpleaños. 

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Durante varios años el filósofo Friedrich Wilhelm Nietzsche fue un amigo próximo de Wagner, sin embargo la relación terminó transformada en enemistad. . En 1877, Wagner inicia su última ópera, Parsifal. Tardó en componerla cuatro años, durante los cuales escribe también una serie de ensayos sobre la religión y el arte.

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Parsifal se estrena en enero de 1882. En esta época Wagner está gravemente enfermo. La familia Wagner viaja a Venecia en invierno. El 13 de febrero de 1883, Wagner muere a causa de una crisis cardíaca. Su cuerpo es repatriado e inhumado en el jardín de Wahnfried.

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Gioacchino Rossini

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Nace en Pesaro, Italia el 29 de febrero de 1792 el seno de una familia con algunos conocimientos musicales, que afianza en el conservatorio de Bolonia. Casi accidentalmente (a petición de unos amigos), comienza a componer óperas (1810) y, dado el éxito que logra, no dejará ya de hacerlo.... hasta 1829 año en que culmina su gran ópera Guillamue Tell.  Es conocido especialmente por sus óperas cómicas (en un famoso encuentro con Beethoven, éste le indicó que siguiese componiendo muchos "Barberos de Sevilla"), pero tiene también  numerosos aportes  en el mundo de la ópera seria (la bellísima obra "Tancredi", por ejemplo). Todo ello le hizo asumir el "trono" de la opera italiana, del bel canto de principios del siglo XIX, género que realza la belleza de la línea melódica por encima del drama o la profundidad emocional y por encima del interés armónico.

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A medida que avanzan sus composiciones, éstas van adquiriendo un mayor grado de dificultad vocal, tanto que desde mediados del siglo XIX hasta los años setenta del siglo XX, muchas de sus obras se creían imposibles de cantar.

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 La primera parte de su vida, se desarrolla en Italia, donde recorre las principales ciudades presentando sus óperas. En esta época se producen muchos de sus conocidos "pasticcios", o autoplagios que se producían porque tenía que componer numerosas obras cada año y, no estando las ciudades italianas bien comunicadas, se dedicaba a cortar y pegar trozos completos de óperas anteriores para presentarlas en el siguiente lugar de estreno. Destacan las composiciones que hizo (especialmente para el Teatro San Carlos de Nápoles) para una conocida cantante de la época, Isabel Colbran, con quien se casó y formó pareja musical durante muchos años.. Poco a poco va agotando los recursos de su composición italiana y, tras dos óperas que exijen el máximo virtuosismo y la mayor dificultad vocal (Semiramide y Zelmira), pero contienen también la máxima belleza, se desplaza por otras partes de Europa, radicando finalmente en París en 1825.. Esta segunda parte de su vida será muchísimo menos prolífica en lo musical que la italiana (en Italia, entre 1810 y 1823 compuso 34 óperas; cuando, por ejemplo, Verdi, tardó más de cuatro años en componer Aida). Comienza su época francesa con alguna ópera en italiano y sobre todo con la reelaboración en francés de óperas ya estrenadas en Italia. Culmina esta producción con una grandiosa  ópera en francés: Guillermo Tell (que tiene una duración de más de cuatro horas).   Desafortunadamente para el mundo de la música, ésta será su última ópera.  ¿Las razones?  se discuten varias pero sin ninguna seguridad:  Hastío, enfermedad, posición económica desahogada. Pero a pesar que no volvió a componer otra ópera, no abandonó el mundo musical pues se hizo cargo de la dirección de varios teatros franceses, y compuso algunas obras breves y  varias obras religiosas.. Rossini fallece en Francia el 13 de noviembre de1868.  Es enterrado en París inicialmente, pero al año siguiente sus restos son trasladados  a Florencia.

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Giuseppe Fortunino Francesco Verdi

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Nació en Roncole, Italia, el 10 de octubre de 1813  y falleció en Milán el 27 de enero de 1901.  Es uno de los compositores italianos de ópera del siglo XIX más conocidos y considerado el embajador de la ópera italiana ante el mundo. Es autor de algunos de los títulos más populares del repertorio operístico mundial: Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore.

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Intentó entrar en el conservatorio de la ciudad de Milán pero no lo consiguió, por un lado debido a que ya tenía más de catorce años (edad máxima para ingresar) y por otro por que se consideró que tenia una mala técnica pianística (cosa difícil de corregir –según los examinadores- ya a su edad). Se puede decir que sus primeros éxitos están relacionados con la situación política que se vivía en Italia. Aparte de su calidad artística, sus óperas servían además para exaltar el carácter nacionalista del pueblo italiano. Quizás el Va pensiero (coro de los esclavos de la ópera Nabucco) es una de los coros más conocidos de Italia por esta razón. De esta forma, Verdi triunfa en Milán.

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Gracias a los éxitos conseguidos, Verdi puede apostar por un estilo más personal en sus óperas, y puede presionar a libretistas y empresarios a arriesgar y experimentar un poco más. Es notable, en este sentido, la forma como se engendró la ópera Macbeth, con unos arduos, e incluso despóticos, ensayos para lograr que el texto fuera más hablado que cantado. Verdi consigue su cometido y el éxito de estas óperas es también notorio.

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Sigue un período de dificultades personales, la muerte de su primera esposa y su hija, que contrasta con la creación de sus óperas más populares y queridas, las mencionadas Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore.

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Muchos consideran que la madurez del compositor se percibe en las obras que siguen a este período; por ejemplo, Don Carlos, que fue compuesta para la Gran Ópera de París; Aida, compuesta para la Ópera del Cairo; Otello y Falstaff, con libreto de Arrigo Boito basado en Shakespeare. Algunas de estas obras no fueron bien recibidas por el público o los críticos, que las calificaron de demasiado wagnerianas, crítica que Verdi siempre rechazó.

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En sus últimos años  compone algunas obras no operísticas. A pesar de no ser particularmente religioso, compuso obras litúrgicas, como la misa de Requiem (1874) y el Te Deum. También compuso el Himno de las naciones, que incluye las melodías de los himnos italiano, francés e inglés, sobre texto del poeta Arrigo Boito (1862) y un cuarteto para cuerdas en mi menor (1873).

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Fallece en Milán, el 27 de enero de 1901, afectado por un derrame cerebral. 

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Canto Ambrosiano y Canto Gregoriano

Período Homofónico
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Homo / fónico = mismo / sonido
misma / voz
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La historia de la música Occidental (Europea) tiene su punto de partida con el inicio de la Era Cristiana.
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En los años posteriores al nacimiento, muerte y resurección de Jesucristo, el cristianismo alcanza su más amplia difusión en el continente Europeo. Teniendo esta religión (herencia del pueblo hebreo), y sumado a ello el desarrollo cultural (basado en la cultura griega) y el poder político (del Imperio Romano), nos ubicamos en los albores del desarrollo musical tal y como lo conocemos hoy día. El primer documento que se conoce sobre la música en estos primeros años de la cristiandad procede del norte de África (específicamente de El Bahnaza, Egipto) y es un documento conocido como Papiro de Oxyrinchos que fue escrito hacia el siglo II.
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El período Homofónico es el más extenso en la historia musical, llegando hasta más o menos el siglo XI. A lo largo de este tiempo es posible conocer su desarrollo ubicando los diversos cantos en las diversas geográficas en las que se manifestaron. Tenemos así:
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Canto Siríaco
Que tuvo como área geográfica de desarrollo y expansión lo que conocemos como Asia Menor (cercano Oriente). El siríaco, como idioma, pronto se convirtió en la lengua oficial de la Cristiandad en Oriente y la región fue escenario de una intensa vida cristiana. Aunque lamentablemente no hay ninguna referencia escrita acerca de este canto pues el mismo se transmitía en forma oral.
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La función principal del Canto Siríaco fue la Evangelización, y entre las características más notables del mismo es posible señalar que hacía uso de las melodías y canciones populares ya existentes a las cuales les cambiaban la letra por nuevos textos de tipo doctrinal cristiano.
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Entre los personajes de este canto se puede mencionar a San Efrén (San Efrén Syrus) que es reconocido como el más grande escritor de himnos sirios. Muchos de sus himnos utilizaban las melodías usadas por los herejes o no cristianos de su tiempo. Otros compositores de himnos sirios son:
Narso de Edesa
Jacobo de Serugh y
Simeón de Gesir

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Canto Ambrosiano
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Recibió este nombre el canto religioso que en el área de Milán fue introducido por el Obispo San Ambrosio para hacer que el servicio religioso fuera más grato para los fieles. Surgió como una forma de contrarrestar la doctrina arriana que estaba ganando muchos adeptos. Esta doctrina, cuyo creador fue Arrio (sacerdote griego que fue excomulgado y expulsado) tomaba la música de tonadas al vino y de tonadas teatrales a las cuales les incluía texto religioso.
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Es posible adjudicar la autoría de por lo menos una docena de himnos y cantos a San Ambrosio de Milán, y debido a que fue él quien logró introducir el canto religioso en la Iglesia cristiana de Europa es conocido con el nombre de Padre del Canto Eclesiástico de Occidente.
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Entre las características distintivas del Canto Ambrosiano es posible mencionar, entre otras:  Es a capella, permitía la voz femenina en el mismo, tiene influencia oriental en sus líneas melódicas, es en latín.
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Canto Gregoriano
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Recibe este nombre el canto religioso que a partir de la época del Papa Gregorio I quedó establecido como de uso oficial en la Iglesia Cristiana de Occidente. A pesar ser llamado Gregoriano, es necesario señalar que San Gregorio no escribió ningún himno ni ninguna composición musical, su labor consistió en hacer una revisión depuradora del Canto Religioso que hasta esa fecha se venía utilizando en la Iglesia de Occidente. La labor del Papa Gregorio fue la recopilación, revisión, depuración y autorización del Canto Religioso, mismo que se reunió en los documentos Cantatorum y Antifonario Gregoriano.

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Entre las características del Canto Gregoriano es posible señalar:  Es a capella, es en latín, solamente permitía la voz masculina, su ritmo es libre, su escritura era a base de neumas.

Compositores del Periodo Romántico I

Compositores del Período Romántico
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Entre los compositores de este período musical empezaremos por recordar a Beethoven, que como puente de paso entre los períodos Clásico y Romántico es el primero de los Románticos que se puede señalar. No debemos olvidar su Sinfonía N° 6 llamada "Pastoral" que ha sido considerada una de las primeras obras programáticas, y a su creador como el primer músico programático de gran categoría.
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Franz Schubert:
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Nace el 31 de enero de 1797 en Lichtenthal (Austria).

Comenzó a practicar la música dirigido por su padre, maestro de escuela. Algún tiempo después de trasladó a Viena y ahí completó sus estudios musicales en la capilla de la corte; sus progresos eran tan asombrosos que Salieri lo tomó bajo su dirección. A los 17 años escribió el lied "Margarita en la Rueca" que es considerada una de las canciones más perfectas que ha sido escrita. Hacia 1816 habia compuesto ya cinco sinfonias, cuatro misas y mas de quinientos Lieder.

Su adaptación de la forma del "Lied" a la música de piano es simplemente magistral; su "Momentos musicales", sus "Impromptus", y sus "Sonatas" son admirables.

Vivió en la pobreza. Era muy tímido por lo cual nunca se relacionó con la nobleza, y tuvo que vivir bajo la sombra que a sus obras le hacía el genio de Beethoven.

Durante toda su corta vida compuso rápida y febrilmente, de manera desbordante.

Murió en Viena el 19 de noviembre de 1928.

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Fredrich Chopin

Músico polaco, nació en Zelazowa Wola, cerca de Varsovia.   Hay dudas acerca de la fecha de su nacimiento, el año puede ser 1809 ó 1810 y el día el 22 de febrero o el 1 de marzo.

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Su talento musical se manifestó desde temprana edad.  A los seis años ya era un buen pianista, a los ocho se imprimió su primera composición:  Una polonesa.   Estudió composición en Varsovia y en  1830 salió rumbo a París en donde radicó.  Allí su música adquirió más profundidad.
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Ha sido considerado una parte importante del movimiento romántico, a pesar que él decía que le desagradaba el romanticismo.  Creía que la música de Liszt era vulgar y le desagradaba la de Schumann, Berlioz o Mendelssohn, pese a ser amigo de todos ellos.  Los dos únicos que significaron algo para él fueron Bach y Mozart.  

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Un aspecto muy importante de su estilo musical fue el nacionalismo polaco que se encuentra representado en las mazurkas y las polonesas.  Fue el primero de los grandes nacionalistas.   Era un compositor absoluto y siempre le asignó títulos abstractos y genéricos a su música. 
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Entre sus obras es posible señalar:  La polonesa Militar, El estudio de la Tecla Negra, La Pequeña Mazurka Judía, El Vals del Minuto, etc.  Aunque la mayoría de los  nombres que les asignó son genéricos:  Vals, Mazurka, Estudio, Polonesa, Nocturno, Fantasía, Balada, Impromptu, Polka, etc.

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Murió el 17 de octubre de 1849.
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Robert Schumann
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Compositor alemán, uno de los máximos exponentes del movimiento musical romántico del siglo XIX. Nació el 8 de junio de 1810 en Zwickau, Sajonia, y estudió en las Universidades de Leipzig y Heidelberg. Estudió Jurisprudencia (Derecho) carrera que en 1830 abandonó para dedicarse exclusivamente a la música.
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Estudió piano con el maestro alemán Friedrich Wieck, pero una lesión irreversible en uno de sus dedos terminó con su carrera de pianista. Se dedicó entonces a la composición y a escribir artículos sobre música. En 1834 fundó la revista musical Neue Zeitschrift für Musik, que estuvo siendo editada hasta 1844.
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Schumann se casó en 1840 con la pianista Clara Josephine Wiek, hija de su maestro. Clara Schuman fue un punto clave en la interpretación de su música para piano. Tras su boda se dedicó a componer canciones. Compuso ciento treinta y ocho de ellas.
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En 1850 fue nombrado director musical en Düsseldorf, pero una enfermedad mental, que padecía desde la adolescencia, le hizo renunciar en 1854. Ese mismo año intentó suicidarse arrojándose al Río Rin, tras lo cual fue ingresado en una clínica para enfermos mentales en Enderich, cerca de Bonn, donde el 29 de julio de 1856 murió.
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Clase del sábado 15 de julio (Historia II)

Se trabajó la distribución de zona para el segundo semestre y la misma es:

Asistencia - - - - - - - - - - - - - - 10 puntos
Evaluación corta N° 1 - - - - - - 10 puntos - - - - - - -  19 de agosto
Evaluación corta N° 2 - - - - - - 10 puntos - - - - - - -  30 de septiembre
Trabajo de investigación - - - - 10 puntos - - - - - - -  14 de octubre
Audiciones y video-foros - - - - 10 puntos
Tareas  - - - - - - - - - - - - - - - - 10 puntos

TAREAS (las tareas entregadas fuera de la fecha serán recibidas con la mitad de su valor)

1. El ballet y la danza moderna: desarrollo histórico y diferencias - - - - - - -   12 de agosto
2. Definición de Ópera, opereta, obertura y zarzuela  - - - - - - - - - - - -    26 de agosto
3. El Jazz, desarrollo histórico y características  - - - - - - - - - - - - - - - - -  16 de septiembre
4. Tendencias composicionales contemporáneas:  Dodecafonisto, Atonalismo, Impresionismo, Expresionismo, Politonalismo, Microtonalismo, Serialismo, etc. - -    7 de octubre
5. Músicos contemporáneos latinoamericanos:  Silvestre Revueltas, Heitor Villalobos, José Pablo Moncayo, Alberto Ginastera, Joaquín Orellana, Jorge Sarmientos, Enrique Anleu, etc.  - - - - - - - - - - - - - - - - 21 de octubre
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AUDICIONES

1. Músicos románticos  - - - - - - - - - - - - - -   29 de julio
2. La ópera - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -   26 de agosto
3. Estilos de Jazz - - - - - - - - - - - - - - - - - -   23 de septiembre
4. Tendencias composicionales contemporáneas - - -  14 de octubre
5. Música Contemporánea en Guatemala - -  28 de octubre

TRABAJO

La Música contemporánea Académica en Guatemala, desarrollo y personajes importantes - - - - -    14 de octubre  

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La prueba final será el día sábado 4 de noviembre

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Punteo acumulado del primer semestre 2006

Historia de la Música (primer nivel) 

Es necesario recordar a los alumnos que, a diferencia de otros cursos, Historia de la Música es un curso anual, por lo cual al finalizar nuestro semestre no hay nadie que tenga el curso perdido.  El resultado de la evaluación solamente es para determinar el punteo acumulado en este primer semestre, que luego se sumará al punteo del segundo semestre.  

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El punteo acumulado (sobre 50 puntos) es el siguiente:

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Sección "A"

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030-2006	18.0
059-2006	33.0
179-2006	22.0
183-2006	14.5
201-2006	43.5
214-2006	35.5
317-2006	31.5
353-2006	25.5
354-2006	26.0
364-2006	23.5
366-2006	40.0
367-2006	17.0
371-2006	42.0
423-2006	27.0

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Sección "D"

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037-2006	16.5
091-2006	33.0
107-2006	15.0
111-2006	20.0
144-2006	17.0
196-2006	24.5
206-2006	11.0
221-2006	29.0
262-2006	13.0
263-2006	12.0
282-2006	40.5
318-2006	20.0
324-2006	41.0
355-2006	34.0
386-2006	44.0
769-2006	18.5
803-2006	26.0
814-2006	31.0

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Sección "E"

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128-2006	26.0
225-2006	19.0
255-2006	17.5
259-2006	34.0
338-2006	27.0
363-2006	41.5
369-2006	26.0
399-2006	11.5
429-2006	12.0

Punteo acumulado del primer semestre 2006

Historia de la Música (segundo nivel) 

Es necesario recordar a los alumnos que, a diferencia de otros cursos, Historia de la Música es un curso anual, por lo cual al finalizar nuestro semestre no hay nadie que tenga el curso perdido.  El resultado de la evaluación solamente es para determinar el punteo acumulado en este primer semestre, que luego se sumará al punteo del segundo semestre.  

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El punteo acumulado (sobre 50 puntos) es el siguiente:

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Sección "B"

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003-2006	45.0
033-2006	34.0
034-2006	41.0
100-2006	34.5
192-2006	39.0
203-2006	41.5
243-2006	35.0
265-2006	42.0
307-2006	12.0
319-2006	19.0
349-2006	35.0
350-2006	29.0
407-2006	37.5
446-2006	19.5
478-2006	26.5
515-2006	43.5
760-2006	36.0
782-2006	38.5

 

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Sección "C"

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004-2006	39.0
024-2006	15.5
049-2006	30.0
068-2006	46.5
079-2006	34.5
102-2006	31.5
121-2006	40.0
134-2006	46.0
153-2006	42.0
157-2006	33.0
166-2006	30.5
210-2006	34.5
232-2006	14.0
233-2006	27.0
257-2006	11.5
269-2006	26.0
301-2006	35.0
321-2006	44.0
323-2006	38.0
325-2006	43.5
351-2006	29.0
429-2006	10.5
667-2006	34.0
763-2006	40.0
767-2006	22.5
771-2006	31.0
778-2006	19.0
819-2006	44.0
821-2006	34.0

Clase del sábado 10 de junio (Historia I y II)

Seguidamente a la proyección de "Beethoven un ser inmortal" se proyectó "El  Grosso Concerto" del grupo argentino "Les Luthiers".

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Clase del sábado 10 de junio (Historia I y II)

En el horario correspondiente a los períodos de clase se presentó la película "Inmortal beloved" ("Amada Inmortal" o "Beethoven, un ser inmortal").

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A propósito de la misma, se traslada  un comentario encontrado en la Revista "Filomúsica" N° 4 (Revista en internet) de fecha mayo 2000  (dirección: http://www.filomusica.com/filo4/beloved.htmly ) y que me parece muy ilustrativo y acertado sobre esta producción.

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Dicho comentario se debe a Ángel Riego Cue, y es el siguiente:

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Después de Mozart, Beethoven... Diez años después de "Amadeus", se intentó repetir su éxito, al menos en parte, con una película sobre otro de los poquísimos compositores "clásicos" cuyo nombre es conocido por el común de la gente, incluso los menos melómanos. Los resultados, a juicio de crítica y público, fueron bastante inferiores a los de "Amadeus", sin ser por ello una película precisamente despreciable. Un análisis de los medios empleados en ambas puede ilustrar sobre las causas del éxito de una y del fracaso de la otra.

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En primer lugar, su historia dista mucho de tener la originalidad de la de "Amadeus", que se basó en una interesante obra teatral previa de Peter Shaffer. El argumento de "Immortal Beloved" es mucho más convencional, de hecho con más o menos variantes ya se ha repetido en otras películas sobre la vida del compositor de Bonn, de las cuales la más conocida es "Un gran amor de Beethoven", que filmó en 1936 el famoso director francés Abel Gance, y en la que se podía "disfrutar" de unos "singulares" arreglos musicales debidos a Louis Masson, que superponían la imagen del compositor tocando el piano con el sonido de una orquesta completa.

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Ambos argumentos, muy similares, se basan en un hecho real: Tras la muerte de Beethoven, en 1827, se encontraron entre sus papeles tres cartas de amor escritas un mismo día (por la mañana, tarde y noche), a una mujer de la que no se indicaba su nombre, y a la que el compositor se dirigía como "Mi amada inmortal": la primera comenzaba con las palabras "Mi ángel, mi todo, mi yo: sólo unas pocas palabras escritas a lápiz..." Parece que nunca fue enviada, aunque también podría tratarse de una copia. Aunque no se indica la fecha, por la indicación de estar escrita "un lunes 6 de julio" los historiadores dan la fecha de 1812 como más probable.
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Mucho más problemático es identificar a la destinataria de tal mensaje, pues la vida privada de Beethoven es un misterio casi tan impenetrable como la de Shakespeare. Las candidatas más citadas son tres jóvenes aristócratas de una misma familia: Giulietta Guicciardi, y sus primas, las hermanas Josephine y Therese de Brunswick. De las tres estuvo enamorado sucesivamente Beethoven, aunque se discute si ese amor se quedó o no en lo "puramente platónico", debido a que el status social de un músico no era en aquella época tan elevado como para aspirar a la mano de una aristócrata.
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Se ha llegado a apuntar que Beethoven era en la realidad bastante misógino, y que la mujer de la que estaba enamorado era un ideal que sólo existía en su mente, de ahí que cortejara a damas que sabía de antemano que le iban a rechazar.
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Hasta aquí la historia. En el film de Gance, antes mencionado, Giulietta rechaza a Beethoven para casarse con un conde, de lo que al poco tiempo se arrepiente. Entonces descubre la carta a la "Amada Inmortal", y le pregunta al músico si está escrita para ella, a lo que él contesta afirmativamente (y es falso, pues la escribía para su prima Therese), con lo cual los remordimientos de Giulietta durarán toda su vida.
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El argumento de "Immortal Beloved" está basado en la misma carta, aunque en este caso se le ha añadido un detalle ficticio: lo encontrado tras la muerte de Beethoven no son cartas de amor, sino algo más sustancioso: un testamento donde lega todos sus bienes a la susodicha "Amada Inmortal". Su fiel discípulo Anton Schindler iniciará la búsqueda de esa mujer para cumplir el último deseo del maestro, y encontrará las cartas "auténticas" en el balneario de Karlsbad, visitado por Beethoven.
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Se trata, pues, del mismo esquema repetido tantas veces desde "Ciudadano Kane" de Orson Welles: al comienzo de la película muere una persona importante, el resto es una investigación de un detalle no aclarado de su vida, lo que permite narrar esta en "flash-back".
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A este esquema se le añade otro no menos tópico, como es el del género denominado "biopic", consistente en la biografía, a menudo muy novelada, de un compositor, que servía como pretexto para presentar los fragmentos musicales más conocidos de su obra. En sus años dorados, Hollywood cultivó a menudo este género "divulgativo" y todos los compositores relacionados con Broadway (Gershwin, Porter, Kern) tuvieron su película. Algo parecido vemos en "Immortal Beloved", donde a veces parece que lo importante es que suenen todos los fragmentos más tópicos de la música de Beethoven (Sonatas Patética y Claro de Luna, Sinfonías 3,5,6,7 y 9, Conciertos "Emperador" y para violín, Sonata "a Kreutzer", Trío "el Espectro", Misa Solemne, Cuarteto Op. 130), vengan o no a cuento con la acción, aunque en ese sentido de "encajar" acción y música la película es muy aceptable.
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Por tanto, de la aplicación de esquemas tan convencionales, difícilmente podría salir un gran película. Tampoco el director, Bernard Rose, demuestra mucho más que buen oficio en manejar escenas de masas, ambientes de época con decorados, vestidos, uniformes, etc. La ambientación en general peca algo de preciosista, parece primar más la imagen "plástica" que la narrativa. En cuanto a los intérpretes, hay que mencionar en primer lugar la magistral interpretación del papel de Schindler por Jeroen Krabbé, a quien habíamos visto como Haendel en "Farinelli". Gary Oldman compone un Beethoven muy digno, mucho más que el Mozart de Tom Hulce, y con algún guiño humorístico que nos recuerda su papel principal en el "Drácula" de Coppola. Las dos "candidatas" investigadas por Schindler cuentan también con intérpretes conocidas: como Giulietta Guicciardi está Valeria Golino (que se dio a conocer en la oscarizada "Rain Man"), y como la condesa Erdödy, Isabella Rosellini.
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Para la banda sonora, al igual que en "Amadeus", no se reparó en gastos para contratar a los intérpretes entre los mejores beethovenianos de aquel momento, entre ellos la London Symphony dirigida por Sir Georg Solti en las obras orquestales, y Murray Perahia en el piano. Incluso podemos escucharles en obras que no tienen grabadas aparte, pues que sepamos Solti no llegó a grabar el Concierto para violín, ni Perahia tiene un "Para Elisa" (esta última pieza es seguramente lo más interesante del disco, al ser la única completa). Por otro lado, la toma de sonido deja algo que desear, para ser una producción de 1994.
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Las interpretaciones musicales se realizan siempre sobre instrumentos modernos, cuyo sonido se supone que es el que la mayoría del público espera oír, pues el tocar a Beethoven con instrumentos de época aún está mucho menos difundido. Por ello se cae en el mismo absurdo que en "Amadeus", el que los instrumentos que se ven en la pantalla no sean los que se escuchen (por ejemplo, se ve un pianoforte de la época y se escucha un piano de cola moderno, cuya presencia en pantalla sería un anacronismo que ese mismo público no toleraría).
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Hay, por supuesto, muchas más libertades históricas, sobre todo en lo referido a la relación de Beethoven con las mujeres: Giulietta le rechazó en realidad por su clase social, y no, como se ve en la película, debido a la sordera de Ludwig, aunque no puede negarse que está muy lograda la escena en que la joven y su padre "descubren" dicha enfermedad, espiando al músico mientras interpreta su Sonata "Claro de Luna" con el oído pegado al piano: una obra que ha pasado a la posteridad dedicada precisamente a Giulietta.
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Tras descartar a la Guicciardi, Schindler dirige sus pasos a Hungría, a visitar a la condesa Erdödy quien, pese a no ser ella tampoco el "amor inmortal", sí le pone en la pista de la verdadera. Es en la identidad de esta en lo que la película se aparta más de la realidad.
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Es bien conocido que uno de los hermanos de Beethoven, Kaspar, murió dejando un hijo, Karl, de corta edad, y que el compositor pleiteó e intrigó para conseguir su custodia, arrebatándolo a su madre, con el pretexto de la vida "disipada" de esta. Karl no fue muy feliz bajo la tutela de Beethoven, llegando al intento de suicidio.
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Pues bien, en la película se nos sugiere como identidad de la "amada inmortal" a Johanna, la madre de Karl, y cuñada de Beethoven, a la que el músico amargó la existencia todo lo posible. Se nos dice que en secreto siempre estuvo enamorado de ella, que fueron amantes y que incluso Karl era en realidad hijo de Ludwig, y no de su hermano Kaspar, su padre "legal". Unas ficciones sin ninguna prueba histórica, aunque podrían explicar el empeño de Beethoven en conseguir la custodia de su "sobrino". La ruptura de Ludwig y Johanna se habría producido un día que Beethoven tardó en llegar a una cita con ella en el balneario de Karlsbad; el carruaje quedó atascado en el barro (una situación que recordaría en el movimiento final de la "Sonata a Kreutzer") y la famosa carta de la "Amada Inmortal", enviada poco antes, nunca llegó a su destino debido a la negligencia de la dueña del hotel (que, lógicamente, quedó en posesión de tal documento hasta la investigación de Schindler). Ella se cansó de esperar, y se fue poco antes de la llegada de él. Si él se hubiera presentado a tiempo, las cosas hubieran sido muy distintas...

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El carácter de "calco" del argumento respecto a los "biopics" de los años 40-50 queda de manifiesto en un detalle "idealista" que para el gusto de 1994 parecería trasnochado: Johanna termina perdonando a Ludwig ¡tras escuchar la Novena Sinfonía! El Himno a la Alegría le convence que no puede odiar al hombre que ha compuesto esa música, y va a visitarle a su lecho de muerte, reconciliándose con él. En realidad, al que vea la película le parecería que Beethoven murió poco después del estreno de la "Novena", cuando aún le quedaban casi tres años de vida (En este sentido, también en "Amadeus" Mozart muere la misma noche del estreno de "La Flauta Mágica", cuando vivió dos meses más).

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La escena en la que se unen la música de la intervención del tenor en la "Novena" y un recuerdo del Beethoven niño, arrojándose a un estanque tras huir de las palizas de su padre, y soñando con las estrellas ("Más allá de las estrellas debe habitar un Padre amante", dicen en otro momento los versos de la obra) es otra de las más logradas de la película, a pesar del carácter tópico de referirse a esta música como "la armonía universal" o el "fundirse con el cosmos". Por ello, la película termina por parecernos salvable, pues se deja ver con agrado, es "divulgativa" de la música de Beethoven, y a los aficionados al cine más nostálgicos les puede traer el recuerdo de un género que ya no  se cultiva, como era el del "biopic".

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Clase del sábado 3 de junio (Historia I)

La actividad de este sábado fue la prueba de final de semestre.

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Clase del sábado 3 de junio (Historia II)

La actividad de este sábado fue la prueba de final de Semestre.

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Música del Imperio Romano

Música del Imperio Romano
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El gran podería militar desplegado por el Imperio Romano le permitió conquistar la mayor parte del mundo antiguo conocido. Cayeron bajo su dominio las culturas: Egipcia, Babilónica, Hebrea, Griega y otras más. Desplegó un enorme poder político sobre todas estas regiones, pero culturalmente se nutrió de cada una de ellas, tomando lo mejor de cada cultura. En este caso la cultura del pueblo griego, que era una de las más grandes de la antigüedad, entró por completo en el pueblo romano, por eso se afirma que aunque Roma conquistó políticamente a Grecia, fue Grecia la que conquistó a Roma culturalmente. El idioma griego fue el que se utilizó en las altas esferas sociales romanas, la escultura griega sirvió de modelo y hasta fue copiada por los romanos, los grandes maestros de las artes eran de procedencia griega, etc.
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Se sabe bastante acerca de la literatura romana, pero por desgracia no han llegado hasta nuestros días ejemplos de la música de esa época. Todos los datos acerca de este arte se deben buscar en referencias literarias ocasionales, esculturas, mosaicos y murales que muestran situaciones musicales. De algunas de las ilustraciones de esas fuentes se desprende que los romanos escuchan mucha música y que no había suceso público o privado completo sin su presencia.

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Después de la conquista de Grecia, el arte de la música se volvió de uso general en todo el pueblo romano. Los romanos de buena posición cantaban en griego y declamaban en griego. Los maestros más notables eran griegos. La influencia griega sobre los músicos romanos fue bastante marcada. No hay ningún rastro de ejecutantes o de fabricantes de instrumentos que no sean griegos u orientales.

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En una excavación en el norte del Africa se ha encontrado un mosaico que muestra a un pequeño conjunto instrumental romano tocando en un anfiteatro durante una contienda de gladiadores.

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Los cantos de los antiguos pueblos itálicos se hacían con referencia a su historia. Se transmitían de generación en generación y los mismos recibían el nombre de camenae. Los himnos de conmemoración que se cantaban en los funerales se llamaban naeniae y los mismos no eran cantos de dolor (como lo eran los trenos griegos) sino cantos para glorificar a los muertos. Existían también los llamados saturninos que eran cantos no religiosos que se caracterizaban por ser rítmicos y, en sus inicios, festivos; aunque después degeneraron y  se convirtieron en satíricos y difamatorios.

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Pero no sólo de Grecia se nutrió cultural y musicalmente el pueblo romano, muchos de los pueblos tributarios (egipcios, españoles, asiáticos, etc.) también influenciaron el arte romano.  En el aspecto musical los romanos se limitaban a adoptar la que se hacía en Grecia, aunque en oportunidades hacían algunas improvisaciones sobre la misma. Los instrumentos musicales provenientes de las diversas culturas conquistadas se hacían presentes en el ámbito musical romano, así tenemos al hydraulus proveniente de Egipto, los aulus provenientes de Grecia, la cítara proveniente de Babilonia, y así otros instrumentos más.

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Para estar en un estado de igualdad con la idea romana de grandeza, el tamaño de los instrumentos musicales aumentó enormemente. Por su utilidad en la guerra, se exigió un volumen cada vez mayor a los instrumentos a base de viento. Los toques de combate se hacían por medio de trompetas y cuanto más grande eran los ejércitos, más fuertes y metálicos eran los sonidos.   Sin haber inventado ningún instrumento musical modificaron muchos de ellos, ya sea agregándole más cuerdas o haciéndolos de mayor tamaño. Entre los instrumentos que se utilizaron en la música romana, se pueden mencionar la tuba o trompeta, el corno, la "Buccina", el "Hidraulus" u órgano de agua, los "Crótalos" o castañuelas y los "Címbalos o platillos".

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Menciona Séneca en uno de sus escritos: " ... En nuestras representaciones teatrales vemos más cantores que el número de espectadores ... Y por más que todas las plataformas estén llenas de cantantes, aunque el anfiteatro esté bordeado de trompetas y el escenario retiemble con el concierto de los instrumentos de todo género, de esas sonoridades diversas sólo resulta un conjunto homogéneo ... " Es decir, desconocían la armonía simultánea de los sonidos.

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 El desarrollo de una nueva fé, el cristianismo,  influyó también en el desarrollo de la música romana.

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Formas musicales del Periodo Romántico

Formas musicales Románticas

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El Poema Sinfónico
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La finalidad del Poema Sinfónico es describir con música la trama de una historia que cuenta con un programa. En muchos Poemas sinfónicos los personajes son representados cada uno por un instrumento que es ejecutado cuando se hace referencia al personaje en cuestión. Esta forma musical está escrita en un sólo movimiento y para ser ejecutada por una orquesta.    El poema sinfónico también es conocido como: Cuento sinfónico, Leyenda sinfónica, cuadro sinfónico, etc.
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El Lied
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El término lied hace referencia a una composición de cortas dimensiones para ser interpretada por la voz humana acompañada de pocos instrumentos, regularmente por el piano. El término Lied significa "canción".  Es una forma musical alemana y se reconoce a Franz Schubert como el creador del Lied alemán moderno.  Schumann es otro de los propulsores de esta forma musical
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Impromptu:
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Significa o es sinónimo de improvisación. Es una pequeña composición instrumental de estilo brillante y de forma libre escrita en un sólo movimiento.

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Estudio
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Originalmente fue una composición que tenía por objeto que el ejecutante mejorara su nivel técnico a través de su estudio y ejecución. Pero las composiciones de este tipo llegaron a tener un nivel tan extraordinadio que se convirtieron en temas con los cuales el ejecutante podía demostrar su alto nivel técnico alcanzado en el estudio de su instrumento musical (primordialmente el piano).
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Nocturno
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Composición inspirada en el momento del día en que la noche comienza a hacerse presente. El Nocturno es una pieza musical regularmente lenta y de cierta languidez. Su creador fue el músico inglés John Fiel (1782 - 1837).

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La ópera romántica

Forma musical que, en su forma, conserva la estructura composicional, variando únicamente en cuanto a las fuentes de inspiración que la motivan.  En este sentido tenemos que la ópera romántica se nutre de:

• La mitología Europea (abandona la mitología griega como única fuente)
• El amor trágico y heróico
• La vida urbana y los acontecimientos sociales próximos

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Cortas piezas pianísticas
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Siendo una de las caractetísticas básicas del romanticismo la originalidad, surgen muchas obras que difícilmente pueden ser encasilladas en formas musicales específicas, pero todas tienen en común el ser de cortas dimensiones y ser ejecutadas al piano. Estas composiciones forman el grueso de las Cortas piezas pianísticas.
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Momento musical
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Composiciones de corta duración, instrumentales que son ejecutadas por una orquesta o por una agrupación de pocos instrumentos. Algunas veces también se escriben para ser ejecutadas en el piano.
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Con la corriente Nacionalista surgida hacia el Romanticismo burgués, aparecen varias formas musicales entre las que se pueden mencionar:
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Mazurka
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Danza de origen polaco que hacia 1800 se extendió por Europa como música de salón, aunque sus orígenes están hacia el 1500 entre los mazurs de Polonia central. Está escrita en compas de 3/4 de ritmo moderado y con pulsos fuertes que son acentuados por taconazos de quienes la bailan.
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Polonesa
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Danza de salón, escrita en compás ternario y de ritmo rápido, está basada en los aires folklóricos de Polonia.
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Rapsodia
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Forma musical de estructura libre, de un solo movimiento, en el cual se presentan arrebatos musicales basados en los ritmos tradicionales de los países. Liszt es de sus más grandes exponentes con sus Rapsodias Húngaras.

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También durante el romanticismo se da el nacimiento de la Opereta (que desmitifica a los personajes legendarios de la mitología) y el Vals, como uno de los principales bailes de salón.

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Música Griega

Música Griega (continuación) 

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En Grecia, siguiendo los señalamientos de Platón, se tenía como principales modelos de educación la gimnasia y la música, pues se consideraba que la primera le daba vigor al cuerpo en tanto que la segunda alimentaba al alma. Por esta razón todos los ciudadanos debían ser instruidos en ambas disciplinas. El adecuado equilibrio entre música y gimnasia era llamado «kalokagathia» (belleza-bondad).
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Otros aportes del pueblo griego al mundo de la música son: El Coro, que en sus inicios era el nombre con el cual se designaba el lugar -atrás del escenario de un teatro- en el cual se ubicaba el grupo de personas que se encargaría de explicar la acción teatral. Se debe al músico Filame el haber concebido con el nombre de Coro al grupo de personas que interpretaban al únisono una composición. También ligado al teatro griego surge otra agrupación musical: La orqueta, que toma su nombre del lugar ubicado frente al escenario del teatro y en el cual se colocaban los músicos que acompañarían con sus instrumentos la acción teatral. Este lugar era conocido con el nombre de "orkestique" (orkestike). También se debe al pueblo griego el aporte de los Modos Musicales que luego prevalecieron en la Edad Media y la música litúrgica de Europa Occidental.
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Entre los Instrumentos musicales griegos podemos mencionar:
Cordófonos: Arpa, Lira, Cítara, Monocordio
Aerófonos: Aulus, trompetas
Membranófonos: Panderos, Tambores
Idiófonos: Címbalos, Crótalos
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Características del Periodo Romántico

 

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Características del Romanticismo
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Podemos clasificar las características dependiendo de si se trata de la composición o de la ejecución de las obras.
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En cuanto a la composición:
1. Las obras son cortas (relativamente hablando) y muchas son de carácter descriptivo.
2. Tienen un texto y en la mayoría de los casos el compositor les asigna un nombre.
3. Se huye de la forma perfecta clásica.
4. Se interrelaciona con otras artes.
5. Predominio de la fantasía.
6. Expresión emocional libre.
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En cuanto a la ejecución:
1. Se da un gran crecimiento en el número de instrumentos musicales de la orquesta, sobre todo en los aerófonos.
2. Se logra crear tensión dramática a través de nuevas combinaciones tímbricas.
3. Se busca el virtuosismo instrumental, sobre todo en el violín y en el piano.
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El aumento del grupo de instrumentos aerófonos madera y metal hizo necesario que también se aumentara el número de cordófonos e hizo que la sonoridad de la orquesta fuera más rica e imponente. Entre los instrumentos que ingresan a la orquesta romántica y le permiten ampliar su tesitura pueden mencionarse: en los aerófonos metal: el trombón y la tuba. En los aerófonos madera se estrena el flautín o pícolo, el contrafagot, el corno inglés y el clarinete bajo.

El Romanticismo

El Romanticismo
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Debemos partir de que la razón, tan ensalzada y glorificada en el siglo XVIII no ha logrado solucionar los problemas de la Humanidad. Se llega a la conclusión de que el hombre no es sólo razón, posee además sus sentimientos, sus ideales, fantasías y sueños, mismos que en muchísimas ocasiones al quererlos explicar no encajan con las reglas de la época anterior por lo que las abandona para crear con una libertad absoluta.
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El romanticismo es una revolución en diversos niveles: artística, política, social e idiológica. Supone una ruptura con lo que tradicionalmente se venía haciendo y cambia la jerarquía de los valores culturales y sociales. Por ello abandona las pautas de composición que prevalecieron en el Clasicismo y adopta nuevas basándose en el sentir de las personas. Surge ante la frustración de las personas por todos los acontecimientos y problemas que le envuelven. Encuentra motivos en la Revolución Francesa que demuestra que el mundo clásico "perfecto y sin problemas" es una utopía.
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El Romanticismo musical toma su nombre de la corriente literaria conocida con este nombre, y serán precisamente los artistas de este período quienes considerarán a la música como el arte por excelencia de expresión total, pues puede expresar mejor las pasiones, tormentos, esperanzas y alegrías.
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La esencia del Romanticismo es la manifestación de los sentimientos y la originalidad.
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El Romanticismo presenta, según los acontecimientos cronológicos que se desarrollan paralelamente, tres épocas o fases:
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Fases del Romanticismo
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Romanticismo Revolucionario (hacia 1815 - 1848)
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Que es el que plantea los cambios primigénios en las corrientes composicionales y de inspiración, abandonando el pensamiento mitológico y ubicándose en contextos históricos reales.
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Romaticismo Burgués
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Fue el segundo romanticismo y en el cual se comienza a generar toda la gama de manifestaciones que le dan sus propias características al período musical. Surge en forma paralela el movimiento cultural conocido como Nacionalismo que toma como fuentes de inspiración las manifestaciones artísticas propias del pueblo.
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Post-romanticismo
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Ya avanzado el siglo XIX comienza a aparecer la estética realista lo que motiva el aparecimiento de un nuevo estilo de composición en el que se inicia la deshumanización del arte, aunque muchas veces esto no es más que postulados teóricos, pero que comienzan a dar nuevas formas de enfoque y de expresión.
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Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven

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Se dice que la noche del 16 de diciembre de 1770 una tremenda tempestad se desencadenaba de las Siete Montañas y descargaba su furia sobre la ciudad de Bonn, (Alemania), a las orillas del Rhin; el viento helado azotaba las puertas y ventanas de las casas, en tanto que la lluvia caía pertinaz y torrencialmente.

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En una pequeña bohardilla nacía un niño al que su padre, llamado Johann Beethoven, llevaría a bautizar al día siguiente a la iglesia de San Remigio, imponiéndole el nombre de Ludwig, mismo que tenía su abuelo.

 

Su madre era Magdalena Keverich. Este niño desde pequeño mostró notables disposiciones para la música, por lo cual su padre, tenor de la corte y muy dado a la bebida, obsesionado por el ejemplo de Mozart, quiso hacer de él un prodigio, obligándolo a estudiar desconsideradamente, encerrándolo durante muchas horas y maltratándolo severamente cuando no cumplía con las tareas agobiadoras que le señalaba.

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En 1778 lo presentó en Colonia en un concierto de piano, y en 1781 lo llevó a una gira a Holanda, que fue un fracaso. Beethoven recibió lecciones, además de su padre, de Pfeiffer, van der Eeden, Rovantino, los PP. Koch y Zeese; Neefe le hizo estudiar el "Clavecín bien temperado" de J. S. Bach, que en esa época (1781) sólo existía en copias manuscritas, las sonatas de Carlos Felipe Emmanuel Bach, y las de Muzio Clementi.

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En el invierno de 1786 visitó Viena, conoció a Wolfgang Amadeus Mozart de quien recibió algunas lecciones, y el cual dijo así a alguno de sus amigos: "Escuchen a este joven; no lo pierdan de vista que alguna vez hará ruido en el mundo". La enfermedad de su madre lo obligó a volver a Bonn, donde ella murió en 1787.

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Así escribía al Dr. Schade el 15 de septiembre de ese año: "Era tan buena conmigo, tan digna de ser amada, mi mejor amiga". Obligado a hacerse cargo de sus hermanos se vio en la necesidad de pedir el retiro de su padre y a que se le entregara la pensión correspondiente para que no fuese disipada. Las penas y sufrimientos que pasó fueron considerables, sin embargo, encontró un generoso consuelo en la familia Breuning, sintiendo un afecto especial por "Lorchen", (la gentil Eleonora, a quien dio clases de música, recibiendo en cambio conocimientos de literatura), que se casaría más tarde con el Dr. Wegeler, y con los cuales mantuvo durante toda su vida una estrecha amistad. Asimismo halló un decidido protector en el conde Waldstein, hombre de gran cultura y pianista distinguido, que había ido a residir a Bonn por razones políticas; este personaje después de haber oído a Beethoven, lo proclamó como el heredero legítimo de Mozart y Haydn, y lo ayudó eficazmente para que pudiera radicarse en Viena, recomendándolo ampliamente para que pudiese abrirse camino.

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En 1792 dejó Bonn, ciudad que nunca olvidaría, el lugar de "nuestro padre el Rhin; mi patria, la hermosa región en donde yo vi la luz primera, siempre tan bella, tan clara delante de mis ojos, como cuando yo la dejé"; (Carta a Wegeler, 29 de junio de 1801), "con sus chopos envueltos por la bruma, su maleza, sus sauces, sus árboles frutales"... y sus "Siete Montañas azuladas que dibujan sobre el cielo sus perfiles atormentados, coronados por las esbeltas y bizarras siluetas de los viejos castillos en ruinas". (Romain, Rolland, Beethoven).

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Llegó a Viena en el mes de noviembre, con gran número de obras, (la primera escrita a los diez años), que publicó más tarde, después de haberlas revisado, o que refundió en otras que compuso en esa ciudad. Las recomendaciones que traía le abrieron los salones aristocráticos. Recibió clases de Haydn, Schenck, Salieri (composición vocal), Schuppanzigh (violín), Alberchtsberger y Aloys Föster (escritura de cuartetos y quintetos). Su primer concierto como pianista lo dio el 30 de marzo de 1795; pero no fue sino hasta el 2 de abril de 1800, cuando se presentó ante el gran público presentando su Gran Concierto para pianoforte, su Septuor y su Primera Sinfonía.

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Alcanzó un éxito considerable. Sin embargo, ya Beethoven había experimentado los síntomas de su penosa enfermedad, la sordera, desde 1796. A todos los sufrimientos que había sentido, añadía la tortura física y psicológica de ir perdiendo el sentido más necesario para su profesión.

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El mismo año escribió en su Diario Intimo: "¡Valor! A pesar de todas las flaquezas del cuerpo, mi genio triunfará... ¡Veinticinco años! Los tengo ya, y es necesario que en este año el hombre se revele todo entero".

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Ya en esta época los rasgos de su carácter están bien definidos: existe en su alma una bondad sin límites; amor a la verdad y a la humanidad; conciencia de su valor; una tenacidad de férrea que no desmaya ante ningún obstáculo. Por otra parte su sensibilidad se manifiesta en exaltados impulsos de fuerza, de alegría, de tristeza y de profunda melancolía, que arrancan del corazón y que hacen vibrar, con la potencia de su sinceridad, las cuerdas de sus semejantes.

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"Beethoven", ha escrito Aldoux Huxley, "enseñó a la música a palpitar con su pasión intelectual y espiritual". Y pudiera afirmarse que ya las obras escritas en aquellos días contienen el germen de la nueva aurora de la música: aparece el romanticismo más puro, y no el que "ha seguido palpitando desde entonces con la pasión de los hombres inferiores".

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Entre 1796 y 1800 compone mas de 90 obras, entre las que están la 1a sinfonía (además de la llamada "cero" o "Jena" de dudosa autenticidad), 3 conciertos para piano, seis cuartetos, el Septuor, variaciones, Sonatas (incluyendo la Pathetique), etc. Beethoven decía: "Vivo en medio de la música; en cuanto termino algo, comienzo otra cosa. En la forma que ahora escribo, hago o menudo tres o cuatro cosas a la vez". El genio afloraba con fuerza, aunque "ya el dolor había llegado a su puerta; se había apoderado de el para nunca mas dejarlo".

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Se señala el año de 1801, como el de la iniciación de lo que se ha llamado el segundo periodo de la obra de Beethoven. Etapa de su vida en que alternaba días felices, con los sufrimientos m{as despiadados; las esperanzas mas sonrientes con los desengaños mas desalentadores; el optimismo y el pesimismo, todo ello dentro de la taladrante realidad de una sordera progresiva e incurable. De 1801 data su pasión por Giulietta Guicciardi, a quien inmortalizo con la dedicatoria de su Sonata "Quasi una fantasia", que será más tarde sobrellamada "Claro de Luna". Pero de este ultimo año, (6 de octubre) fue su "Testamento de Heiligenstadt", en el que declara: "La experiencia de estas cosas me puso pronto al borde de la desesperación y poco faltó para que yo mismo hubiese puesto fin a mi vida. Sólo el arte me ha detenido. ¡Ah! Me parecía imposible abandonar este mundo antes de haber realizado todo lo que me siento obligado a realizar. ¡Oh Dios, Tú miras desde lo alto en el fondo de mi corazón, y lo conoces, sabes que en él moran el amor a los demás y el deseo de hacerles el bien! Vosotros, hombres, si leéis un día esto, pensad que habéis sido injustos conmigo... hizo cuanto estaba a su alcance para ser admitido en el rango de los artistas y de los hombres de elección".

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"Al día siguiente de la violenta crisis de Heiligenstadt", escribe Edouard Herriot, "la 2a Sinfonía", ejecutada por primera vez el 5 de abril de 1803, "no traduce ninguna debilidad... las proporciones mismas de la obra, atestiguan el vigor de ese genio indomable que rehúsa sacrificar a las exigencias de la moda la abundancia y la originalidad de sus ideas".

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Este llamado segundo periodo, al que se le señala como límite el año de 1814, comprende la producción de cerca de 150 obras: incluye hasta la octava Sinfonía; en las sonatas para piano hasta la opus. 90; en los cuartetos hasta el XI opus 95; el concierto para violín, el 5o concierto para piano, la ópera "Fidelio", lieder, romanzas, tríos, etc.

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La 3a sinfonía estaba dedicada a Napoleón Bonaparte. Una anécdota, relatada por Fernando Ries, discípulo de Beethoven, dice así: "La sinfonía estaba sobre la mesa. La primera página contenía dos nombres: arriba, 'Bonaparte'; debajo, 'Beethoven'. Ni una palabra más. Ignoro si la laguna debía llenarse. Fui el primero que anunció al maestro la nueva de que Bonaparte se había proclamado emperador (18 de mayo de 1804). Enfurecido Beethoven, exclamó: "¡No es más que un hombre vulgar! ¡Sólo satisfará su ambición y como tantos otros hollará los derechos del hombre para ser un tirano!" Se dirigió hacia la mesa, arrancó la primera página del manuscrito y la arrojó al suelo. Después escribió un nuevo título: Sinfonía Heróica".

 

En 1821, cuando murió Napoleón, Beethoven dijo: "Hace diecisiete años que compuse su oración fúnebre". Esta 3a sinfonía fue tocada por primera vez el 7 de abril de 1805. En ese mismo año estrenó su única ópera Fidelio.

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En 1806 compuso la 4a sinfonía, que algunos críticos han creído que fue inspirada en el amor de Teresa de Bruswick, aun cuando otros musicógrafos han investigado minuciosamente el supuesto amor de Beethoven, y lo han rechazado categóricamente calificándolo como un infundio, basado en un relato de dudosa autenticidad publicado en 1890 y narrado por Mariam Tengert, que se decía confidente de Teresa. De 1806 son los tres Cuartetos opus 59, el Concierto para Violín y la sonata "Appasionata

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En 1807 compone la 5a Sinfonía, cuya primera ejecución tuvo lugar el 22 de diciembre de 1808, y que es, seguramente la más tocada en la actualidad. Aunque no es absolutamente seguro, dícese que Beethoven expreso del primer tema de esta obra: "Así llama el destino a nuestra puerta". Berlioz escribió de ella: "es la primera en la cual Beethoven ha dado libre curso a su vasta imaginación... es su pensamiento íntimo lo que va a desarrollar, sus dolores secretos, cóleras reconcentradas, melancólicos ensueños, nocturnas visiones, ímpetus de entusiasmo..."

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En la misma fecha que la quinta, fue estrenada la sexta, llamada "Pastoral". Beethoven se encargó de poner los siguientes subtítulos a cada tiempo:

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Despertar de apacibles sentimientos al llegar al campo.

Escena junto al arroyo

Alegre reunión de campesinos

Tempestad

Canto de pastores. Alegres y agradecidos sentimientos después de la tempestad (Aunque él mismo aclara: "Expresión de sentimientos, mejor que pintura")

Esta sinfonía da testimonio del amor que sentía hacia la naturaleza; escribió en uno de sus cuadernos íntimos en 1815: "Dios Todopoderoso, soy feliz en la selva donde cada árbol habla por ti".

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La 7a Sinfonía fue iniciada hacia fines de 1811 o principios de 1812: cuatro años que la separan de la 6a, pero en este intermedio compone obras tan importantes como el 5o concierto para piano "El Emperador", los cuartetos X y XI, la obertura "Egmont", las sonatas op. 78 y 81, etc. Esta 7a sinfonía fue calificada "como un milagro del genio", y Wagner la llamo "la apoteosis de la danza".

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La 8a sinfonía es una de las obras más juguetonas y alegres de Beethoven, pero revela una técnica magistral: desde el primero hasta el último compás corre por esta obra una gracia flexible, gallarda y ondulante que cobra agilidad en el último tiempo; mientras que en el "Allegretto scherzando" recuerda la invención del metrónomo, debida a Mälzel.

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En el lapso que hemos comentado la fama de Beethoven creció hasta su máximo. Cuando se efectuó el Congreso de Viena era el hombre más popular. Escribía a su amigo Amenda: "En tus cartas no necesitas poner más dirección que mi nombre" (Esto sin contar con que se cambiaba constantemente de casa). Era asistente habitual a los paseos del "Prater" y sus caminatas por lo que actualmente se llama "Sendero Beethoven" eran conocidas por todos. En 1815 fue honrado por Viena con la "ciudadanía honoraria".

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De 1811 data su último ensueño amoroso: cortejó a la bella cantante Amelia Sebald, que se casó más tarde con un consejero de Estado. En la vida amorosa de Beethoven se señalan, además de las anteriormente citadas: una "bonita y alegre rubia" por la que en su juventud sintió un amor "Wertheriano", Teresa Malfatti, con la que pensó contraer matrimonio, como lo comprueba una carta fechada el 2 de mayo de 1810 en la que solicita al Dr. Wegeler, documentos personales para ese fin, y el pedimento hecho a través de su amigo Gleichenstein al padre de Teresa y que recibió como contestación la siguiente observación de un tío de la propia interesada: "Beethoven es un hombre muy torpe de entendimiento, aunque puede ser el más grande de los genios". Bettina Brentano a quien el maestro conoció en 1810, y la cual llegó hasta el grado de hacer públicas dos cartas sin fecha de las que hasta ahora no se han encontrado los originales (no obstante que ella aseguraba que se encontraban entre su valiosa correspondencia como reliquias sagradas). A los 43 años renunció a su anhelo hogareño, no sin apurar antes la copa de la amargura, de la decepción y aún de la burla, aunque conservándose siempre en un plano de dignidad e idealismo.

 

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Datos acerca de su aspecto físico lo señalan así: "Era bajo, moreno, con el rostro achatado y picado de viruelas, la boca delicada, con el labio inferior saliente y hoyuelo profundo en el mentón; sonreía bondadosamente y había en su conversación, a menudo, un tono amable y alentador. En cambio su risa era desagradable, violenta y gesticulante, rápida" (Moscheles). Cuando se le sorprendía sentado al piano, "Los músculos de su rostro se le saltaban, sus venas se hinchaban, los ojos salvajes se hacían dos veces más terribles "(Klöber). "Sus ojos parecían que cambiaban de color: en ocasiones se veían grises, azules o verdes".

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 En la última etapa de su vida había de sentir grandes contrariedades; la sordera total, la ingratitud de su sobrino, la pobreza, la enfermedad, hasta que sobrevino la muerte. De 1815 hasta 1826 compone alrededor de 125 obras; pero dos de ellas, ¡maravillosas!, bastarían para inmortalizar su nombre: la 9a sinfonía y la Misa Solemne en Re mayor, sin contar sus extraordinarios cuartetos que marcan una cima en la Historia de la Música. La madurez y la audacia se ligan para lanzarse a la conquista de mundos nuevos. Cuando la orquesta y las voces se unen en el final de la 9a sinfonía, el mundo se estremece para subrayar el pensamiento de Schiller y el anhelo de Beethoven:

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¡Alegría! El más bello fulgor divino...

Todos los hombres serán hermanos...

¡Un abrazo confunda al mundo entero!

¡Hermanos, sobre la bóveda estrellada

debe morar un Padre amante!"

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Cuando llega a su clímax el "Adagio molto e cantabile" de la misma obra, (el tercer movimiento), el propio compositor ha de detener su vuelo para no llevarnos a la postración más aniquiladora después del camino que nos ha hecho recorrer para llegar a esas alturas raramente alcanzadas.

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En 1826, Beethoven fue operado para curarlo de hidropesía; no volvió a mejorarse. Cerca de las seis de la tarde del 26 de marzo de 1827, exhalaba su último aliento: en ese momento estallaba una violenta tempestad sobre la ciudad de Viena. Podría decirse, sin que queramos con esto recurrir a una metáfora vulgar, que el rayo que anunció su nacimiento, extendía, a su muerte, los truenos de su música inmortal.

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Más de veinte mil personas se reunieron para acompañarlo a su última morada. Grillpazer, al terminar la oración fúnebre, dijo: "Éste por quien llevamos luto, se encuentra desde ahora en adelante, entre los grandes de todos los tiempos. Recordemos esta hora y pensemos: estábamos allí cuando le enterraron, y, cuando él nos dejó, lloramos".

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